格哈特‧里希特《抽象畫 (774-1)》首次現身拍賣市場，充分展現了藝術家精湛的繪畫技巧及概念方法，是其最著名的抽象作品中的典範之作。《抽象畫 (774-1)》同時體現了空間的模糊性、視覺的複雜性與富有觸感的物質性的共同作用，呈現了自發性與編排性相結合的美感。

 

「我將其部分摧毀，部分添加；就這樣斷斷續續地進行著，直到沒有什麼可以修改，這幅畫也就完成了。到那時，它就成為了我所能理解的東西，這一理解正是基於它所呈現給我的，因為它既難以言說又無懈可擊......這是一種經過高度計劃的即興創作過程。」
—— 格哈特·里希特

 

里希特在1976年畫了第一幅抽象作品，並於1980年代起在這些畫作中使用刮板，以此在創作中引入偶然性。《抽象畫》創作於1992年，距里希特第一次嘗試類似構圖已逾十年，彼時他剛剛開始在作品中使用彩色長條與單色色調。具體看此次拍品，對比鮮明的柱狀線條垂直掃過畫面，筆觸的動態感蘊含了一種強烈的不安。在藝術家剛勁、雄健的運筆之下，層層交疊的顏料形成了令人著迷的景深。

 

 

抽象主義高峰

 

1990 年代初期被廣泛認為是里希特對抽象本質進行美學探索的全盛時期。在此期間，里希特反復回歸條紋和網格的作品構圖，體現其將柔和、低沉的調色板與明亮色彩結合運用的進一步探索。當前拍品中，藝術家巧妙地通過深紅色色層與偏明亮的藍色及綠色色調相結合，構建精湛的視覺效果。

 

 

當前拍品於1992年羅馬Zerynthia當代藝術協會舉辦的展覽〈格哈特‧里希特：山〉上首次亮相，讓人懷想連綿的綠茵與起伏的山峰。作為藝術家為1992年展覽特別繪製的七件作品的其中之一，此次拍品堪稱里希特頂尖的抽象作品中最為純粹之作。《抽象畫(774-1)》是這批展覽作品中進入拍賣市場的最後一幅。其姊妹作品（見上文）永久借予漢諾威史普格爾博物館；展覽中的其他畫作要麽已被銷毀（774-3），要麽已在拍賣會上出售。

 

「自1981年的瑞士山景系列以來，里希特對這種自然事件的興趣（遙遠、雄偉、在某種意義上已經是『繪畫本身』）已成為他作品的常見特徵。」
—— Massimo Carboni為〈山〉撰寫的展評，1992年發表於《藝術論壇》

 

《抽象畫 (774-1) 》創作於里希特在倫敦泰特現代美術館舉辦突破性回顧展之後一年，代表了藝術家職業生涯中的高峰時刻，里希特斬獲了評論界前所未有的讚譽。《抽象畫 (774-1) 》中三原色占主導地位，讓人聯想到明亮的天空、甘美的草地和雄偉的山景——明亮的綠色和柔和的藍色彼此交融，滲入深石榴紅色的背景。這些顏色讓人想起樹木與草叢在風中輕輕蕩漾而泛起的綠色漣漪。不連貫的筆觸、自然主義的配色方案、以及關於天空和土地的回憶，都讓人想起保羅·塞尚著名的聖維克多山繪畫。「劃分畫作表面的垂直條紋」喚起展覽標題所指涉的山脈意象，給人一種莊嚴、嚴肅、漠視周遭之感ⁱ。

 

 

然而，正如抽像畫的本質所預示，人們只能根據自己的感知來解讀里希特作品的主題。如藝術家本人所概述：「我們覺得繪畫有趣，只不過是因為我們尋找看似熟悉之物。[...]基本上，我們總是試圖確定畫面與某種表象的關係。這和辨識特定主題沒有關係。」ⁱⁱ

 

「抽像畫還是展示了一些東西，只是展示的是不存在的東西。但它們仍然遵循與具像作品一樣的要求：需要一定的體系、需要結構，需要觀衆能夠看著它説出，『它幾乎是什麼。』但它實際上什麼都不代表。它觸發你的感情，即使它向你展示了一個技術上不存在的場景。」
—— 格哈德·里希特

 

里希特自1990年起幾乎只專注於抽象繪畫，他在此期間的作品亦越來越傾向於極簡主義抽象，變得更具結構性，垂直和水平條紋支配構圖、抵消了畫面的深度和平面感，如《抽象畫(774-1)》所示。里希特一再回歸條紋和網格構圖，並不時使用更為柔和、憂鬱的調色來統一明亮的色彩。當前拍品中的底層顏料採用了深紅色，這是里希特作品在該時期的代表性特徵。

 

 

被博物館收藏的1992年《抽象畫》系列作品

自發的編排

「我從未發覺模糊的畫布中有任何欠缺。恰恰相反：妳可以在其中看到比在清晰聚焦的圖像中更多的東西。」
—— 格哈特‧里希特里希特的《抽象畫》系列是其運用刮板創作的精湛呈現，該創造性方式是使他的抽象畫面充滿生機的關鍵。里希特利用一把寬闊刮板的移動，在停促頓挫之間抹平、混融顏料，使顏料下方的畫面部分被遮蔽、部分被暴露。顏色、肌理和層次交織在一起，凝聚成畫布上美麗的有機「意外」。

 

 

 

碩大的刮板將厚重的厚塗油彩拖過畫布，營造了一種亂中有序的深邃。明亮的原色顏料條紋層層交錯和混合，營造出一種催眠般的沉浸式觀看體驗。里希特在《抽象畫 (774-1) 》中用模糊化的顏色創造了一個難解之謎引誘觀眾，他鼓勵觀者尋找熟悉的形式，但同時拒絕提供一個決定性的答案，他認為這為作品打開了闡釋的大門。

 

 

 

在里希特的這幅畫中，自然以模棱兩可的形式再現，而從未被固化為實際輪廓。這促使觀眾去欣賞作品的物質性，如同凝視一件奢華的紡織品。在畫布上橫掃和掠過，這些精心繪製、極具衝擊力的彩色顏料層次激發了一種視覺上的參與，就像點畫畫家喬治·修拉的作品以及色彩研究中的視覺混合理論。里希特看似客觀和純粹抽象的作品不是對自然的主觀記錄，而旨在讓觀眾磨練自己的視覺感受，專注於觀看經驗本身。

 

「就好像現實中發生的現像不是簡單地安排在我們『 面前』，而是作爲一種連貫的、有改造力的具體存在和心理投射，直接穿過我們。里希特還在這些畫作中嵌入了一種哲學層面的、或至少是觀念層面的反思，涉及視覺的意義、觀看行為的意義，以及我們與外部世界建立的光學關係。」
—— Massimo Carboni為〈山〉撰寫的展評，1992年發表於《藝術論壇》

 

層次、運動方向、顏料厚薄差異固然出自里希特的精湛構思；但他讓這些元素在畫布上自發互動，完美體現了自然界中天然的偶然性本色。因此，《抽象畫 (774-1) 》堪為主觀性和客觀性、偶然性和計劃性之間的完美平衡。雖然依賴於偶然性和自發性，但是作畫過程離不開精心建構：「……這種建基於任意選擇、偶然性、靈感與破壞的方法可能會產生特定類型的畫面，但它永遠不會產生事先預想的畫面。每幅畫的誕生都離不開繪畫邏輯或視覺邏輯的演變：它的出現必須看上去不可避免。我希望用這種不計劃結果的方法，達成隨機出現在視野內的自然（或現成景觀）所始終具有的那種連貫性與客觀性。」ⁱⁱⁱ

 

 

 

藏家之選

 

格哈德·里希特於 1932 年出生於德累斯頓，在變化多端的政治和文化環境中成長。他於1951年首次加入德累斯頓美術學院，並於 1961 年與西格瑪爾·波爾克一起進入杜塞爾多夫學院學習。六十年來，里希特的創作持續探索色彩與形式、抽象與表現之間的關係，是藝術史上最偉大的抽象派巨匠。

 

里希特於1990 年代——當前拍品的創作年代——實現了多項職業里程碑。 他於1995年榮獲耶路撒冷沃爾夫藝術獎； 1997年獲第47屆威尼斯雙年展金獅獎、東京世界文化獎，同年在第十屆卡塞爾文獻展展出《圖集》。 1998 年，里希特獲得了多項獎項，包括韋克斯納獎、美國藝術暨文學學會外籍榮譽會員以及北萊茵-威斯特法倫州大獎。

 

剛過去的2022年2月9日是里希特90歲大壽，他將在祖國德國舉辦三個展覽以表慶祝，其中在家鄉德累斯頓舉辦的展覽由藝術家本人策劃，這次極具個人性的展覽包括里希特創作的最後一幅油畫，與此同時藝術家迄今為止的作品全集將獲盛大出版。

 

 

ⁱ Massimo Carboni 著，《格哈特‧里希特：羅馬 Zerynthia 當代藝術協會》，《Artforum》，第31集，第7號，1993年3月，載自網絡
ⁱⁱ 格哈特‧里希特，引述自Robert Storr，‘格哈特‧里希特訪談’，《格哈特‧里希特：繪畫四十年》，紐約，2003年，第304頁
ⁱⁱⁱ 格哈特‧里希特，引述自格哈特‧里希特, Elgar Dietmar, 漢斯·烏爾里希·奧布里斯特，《格哈特‧里希特–文選：寫作、訪談與信件1961-2007年》，倫敦，2009年，第256頁